超英派遣中心：2025年最火叙事游戏解析

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2025叙事游戏新星

只关注最终表现，《dispatch》（超英派遣中心）无疑成为2025年叙事类游戏中的一颗新星。它没有依赖知名IP，却在发布后迅速引起广泛关注，Steam平台上的玩家讨论持续高涨，热度不减。对于由前Telltale成员创立的新工作室而言，这样的成绩已足以令行业内人士刮目相看。

从市场趋势来看，《dispatch》不仅仅依托“超英”题材的热度，更迎合了2025年逐渐升温的叙事类游戏市场需求。玩家们对于深入复杂的人物关系表现出极大兴趣，愿意为剧情投入更多时间与金钱，也喜欢反复体验丰富的台词与表演部分。这款游戏宛如一部被拆解成八集的成人动画剧集，将控制权交还给玩家，赋予其更高的自由度。这种创新定位不仅带来了销量的快速增长，也促使玩家持续讨论，形成了长尾效应。

截止目前，仅在Steam平台上，游戏销量已突破200万份，累计收入估算接近5000万美元，折合人民币大约3.5亿元。这显示出其在市场上的强大影响力和持续吸引力。

这款游戏以超级英雄为主题，但其故事情节却出人意料地颠覆传统。曾经英勇无畏的超级英雄们，如今被迫退出战斗一线，转而在调度中心中担任指挥角色。他们通过无线电与一线的英雄们保持联系，协调应对城市中的各种突发事件。这个设定展现了英雄们在幕后发挥作用的另一面，强调团队配合与智慧的重要性。战斗场面并未成为核心焦点，游戏中的能力设定只是背景铺垫。真正吸引玩家的是丰富的对话内容、复杂的人物关系以及关键的决策选择。玩家们热衷于讨论的不是角色的战斗力有多强，而是哪个角色更容易沟通、哪句台词能缓和气氛、哪些关系值得花时间培养。这种以交流和关系为核心的讨论方式，充分展现了游戏在市场上的独特定位和魅力。

在最近的一期游戏开发者播客中，两位联合导演Nick Herman和Dennis Lenart罕见地分享了《超英派遣中心》背后的设计决策。

他们详细讲述了在开发过程中面临的各种权衡与取舍，揭示了制作一款受欢迎的叙事游戏所需的复杂考量。

此外，二人还试图解答一个实际问题：这款销量不错的游戏究竟是如何逐步打造出来的。

以下是此次访谈的核心内容摘要，部分细节经过整理与删节，旨在帮助玩家更好理解游戏背后的开发故事。

许多玩家对传统超级英雄题材感到审美疲劳，但《超英派遣中心》却能引起广泛关注，成为现象级作品。这或许是因为它打破了常规，将焦点从英雄的战斗转向了职场中的人际关系。

在剧中，超级英雄们不过是表面的外壳，真正吸引人的，是他们在日常工作中面对的复杂人际交往和职场压力。观众能够在这些细腻的情节中找到共鸣，感受到角色们的真实困境和成长。

此外，作品巧妙融合了超英元素与职场生活，让人既能享受超级英雄的精彩特效，又能体会到职场中的真实挑战。这种新颖的叙事方式满足了观众对多元内容的需求，也使得非主流的故事更具吸引力。

因此，尽管超级英雄题材已趋于饱和，但结合现实生活元素的讲述方式，让《超英派遣中心》成功突破了疲劳感，赢得了众多观众的喜爱。我们并不认为《dispatch》属于那种阴暗、硬核的超级英雄作品，虽然不少人喜欢将它与《黑袍纠察队》和《Invincible》相提并论。对我们而言，超级英雄更像是一种设定和世界观，而非一套固定的模式。我们希望传达的是一种积极向上的态度：即使面对一些似乎不值得救助的人，也要努力发现他们身上的善良与希望，探讨真正的英雄定义，而不是单纯看谁穿着盔甲或者战斗力更强。

在创作过程中，我们最感兴趣的其实很简单，是几个人围坐在一起，围绕一张桌子，将一场对话写得充满张力和层次感。我们关注的是角色之间的关系、情感的变化以及隐藏在对话中的冲突。这些才是我们的核心所在。至于暴力、色情或其他刺激元素，反而是后来自然加入的调味料，是在我们深入角色和情境的过程中自然而然产生的，而不是刻意追求的卖点。我们的故事重点始终是人物和情感的真实表达。许多玩家认为《派遣中心》并非单纯展现超英世界的宏大设定，而更像是在讲述一段段人物之间复杂的关系。我们在创作过程中，确实会有意强调这些人物间的互动和情感碰撞。

我们的重点在于塑造真实而有张力的关系：角色们如何协作、如何试探彼此、以及在面对共同任务时展现出不同的立场。超英的背景为我们提供了丰富的舞台，但真正让玩家沉浸其中的，是这些人物关系的深度和真实感。

如果玩家对角色缺乏共鸣，整个故事就会失去支撑。这些关系和情感，往往源自于角色和情境的自然发展。在角色的推演中，团队成员会不断提出一些出人意料甚至激烈的想法，我们会判断这些想法是否契合角色关系和情绪的走向。

我们避免为了追求刺激而加入一些无关紧要的设定或情节，创作的核心始终围绕着人物关系的真实性和戏剧张力展开。这也正是我们希望玩家能够在游戏中真正体会到的情感共鸣所在。

我们将游戏开发的思路转变为类似动画电影或剧集的制作流程，旨在提升整体质量和表现力。过去，telltale的制作节奏非常紧凑，拿到剧本后便迅速进入最终版本，快速完成场景，从而难以兼顾细节和肢体动作的丰富性。现在，我们更加注重细腻的动画表现和角色互动，投入更多时间在动画制作上，使得角色动作更加生动自然，画面表现更具层次感。

这种调整不仅提升了游戏的视觉体验，也让角色的情感表达更加丰富，整体品质得到了显著增强。我们借鉴动画制作的完整流程，从剧本到动画再到后期，逐步打磨每一个细节，确保每一帧画面都能传达出应有的情感和张力。在制作《dispatch》的过程中，我们始终坚持将动画和表演的质量作为核心追求，而非仅仅追求效率或快速完成。为了实现这一目标，我们调整了传统流程，从剧本创作开始，逐步推进到分镜设计、动画预演和剪辑，每一个环节都经过充分打磨。

在分镜阶段，我们将镜头按照节奏剪辑成完整的序列，配合临时配音，形成一种可以反复观看的动画预演版本。这种方法让我们能够在较长时间内不断优化表演细节，从草图到最终成片逐步打磨，而不是在最后一刻匆忙赶工。

同时，为了减少后期的反复微调，我们提前进行了大量的测试。我们早早建立了剧本和分支结构，让观众通过阅读和选择体验剧情走向。这不仅帮助我们调整故事的合理性，还保证了动画的节奏感。

此外，我们开发了具有交互性的动画预演剪辑，类似于带有选择的故事板游戏。这一版本不仅用来测试整体节奏和情绪，也让团队可以在早期就感受到动画的效果，确保每个镜头都经过精心设计。

关于镜头设计的选择，我们强调“镜头的预设”而非依赖动作捕捉的“先演后剪”。这是因为我们希望每个镜头都经过深思熟虑，体现出导演的意图和故事的节奏。通过精心设计的镜头，我们可以更好地表现角色的情感和场景的氛围，而不是依赖动作捕捉的自然动作后期剪辑。这样做也让动画更具表现力和艺术性，符合我们对品质的追求。动作捕捉虽然在特定风格中能创造出令人震撼的效果，但它往往让人觉得像个黑箱操作：演员在棚内按动作走位，先将表演捕捉下来，之后再进行镜头的挑选和补拍。问题在于，直到观看完毕，才会发现哪些画面需要调整、角色应当移动到画面另一侧，或者某个动作在构图中会更有冲击力，但此时那些细节已被原始表演所限制。

相比之下，我们更倾向于提前设计好镜头和场景布局：角色的站位与动作、镜头的切换方式、以及画面中的信息安排都在拍摄前就经过详细规划。由于《dispatch》的风格偏向动画化，更加依赖于构图和节奏感，因此我们希望每个镜头都是经过巧妙设计的，而非仅仅用来记录表演的工具。

坚持采用动画剧集式的制作流程，面临的最大挑战在于时间成本的显著增加。每一幕都需要在预演和剪辑阶段反复打磨，反复调整角色位置、调度和节奏，以确保每个镜头都能精准传达意图。这一过程虽然耗时费力，但带来了更清晰明了的镜头表达，让作品的视觉叙事更具冲击力。

然而，传统的动作捕捉技术虽然能大幅提升效率和产能，但在实际应用中常被视为标准配置，忽略了作品内容的特殊需求。我们更倾向于根据剧情和镜头设计的具体需要，选择最合适的技术和方法，而不是盲目追求效率。这种内容导向的制作理念，虽然使流程变得复杂，但最终能呈现出更符合作品特色的视觉效果。在谈到动画制作团队时,我们特别强调与igloo animation的合作意义。起初,我们注意到他们在泰国制作的一则广告,其独特的视觉效果深深吸引了我们。

广告采用了2D与3D相融合的表现手法,展现出令人印象深刻的质感。

这与我们对作品的期望非常吻合,因此我们开始深入了解他们的实力。

在此之前,我们也接触了许多其他动画公司,包括美国本土的知名团队以及海外的顶尖企业。

但无一例外,大部分反馈都指出:以目前的预算,实现类似这种高质量融合风格的动画是极其困难的。许多建议我们将风格调整为更简洁的2D成人动画，比如类似《瑞克与莫蒂》或《弓箭手》的风格，但我们坚持自己的创意方向，不愿妥协。为此，我们安排不同的团队进行试验，观察他们如何表现角色和演出。Igloo团队制作的测试片段令我们印象深刻，充分展示了他们的潜力。

关于动画外包，常见的做法是将需求打包交给外包公司，经过一段时间后再收回作品进行几轮修改。然而，我们的做法完全不同。

我们从一开始就不把Igloo视作简单的外包供应商，而是将他们作为合作伙伴，共同推动项目的创意与质量。

动画制作中的反复调整

在动画制作过程中，我们投入了大量时间进行审片和细致的修改。每天都在不断沟通，反复调整每一个镜头。整个工作流程几乎都围绕着反复观察、提出改进建议和讨论细节展开。即使只是两人在房间里随意交谈，从动画制作的角度来看，每个镜头的工作量都非常巨大。我们的目标是确保在这繁忙的并行工作中，整体的表现保持一致，包括角色的表演、节奏感以及角色状态的连贯性。

在我们与igloo团队合作之外，还存在一支专门负责前期制作的团队，主要任务是绘制分镜，将整个季节的故事线和镜头在二维阶段先行搭建。我们在加拿大组建了这支团队，合作模式与igloo类似。我们与每一集的分镜负责人建立了紧密的合作关系。值得一提的是，他们甚至表示，在他们参与的项目中，很少见到导演和编剧能够如此深入地介入。行业内多采用交付式合作方式，但为了达到我们预期的高质量标准，我们不得不积极介入，投入大量精力在每一个环节中，确保作品的整体品质。

在开发过程中，我们不得不做出一些艰难的取舍。虽然有些内容看起来非常精彩，但为了整体的质量和节奏，我们不得不果断放弃。每一次删减都不是随意的决定，而是经过深思熟虑的结果。

有些内容在剧本阶段就被果断剔除，避免浪费后续制作资源。还有一些是在动画预演和剪辑阶段完成后，经过反复评估后决定舍弃。即使这些内容已经配音甚至接近完成，最终还是因为整体效果考虑不得不放弃。这种取舍过程难免让人心疼，但也是保证作品品质的必要手段。

我们清楚，随着制作的深入，每一分每一秒的成本都在不断攀升。因此，我们不能将删减视为最后的补救措施，而应在早期就做好取舍的准备。每一次决策都力求让作品达到最佳状态，即使付出一些遗憾，也是在追求更高的品质。在创作过程中，我们不断对剧情和节奏进行调整和优化。比如第七集曾经安排过一段情绪浓烈的戏份，原本在后续加入了一些轻松的笑料，用意是为紧张的情绪提供缓冲。

然而，回头审视时，我们发现那段笑料反而显得不够自然，似乎是在试图掩盖剧中的不确定感，担心观众难以接受沉重的情绪。

于是，我们决定将那段笑料删除，让剧情更加纯粹和真实，让玩家自己去体会和消化情感。

此外，时间和预算的限制也让我们不得不做出艰难的取舍。在项目的后期，团队非常清楚每一集还能增加多少镜头，能延续多少时间。

以第八集为例，我们最终剪掉了近15分钟的内容，虽然这些内容包含了许多精彩的想法和我们自己都很喜欢的段落，最终还是因为时间压力无法全部呈现。

游戏上线初期，团队也面临着诸多挑战和调整空间，持续根据玩家反馈进行优化，确保内容的质量和体验。在第四集和第五集之间出现了明显的时间空档，几乎所有的玩家讨论都集中在角色之间的浪漫关系和情感发展上。大家纷纷猜测接下来是否会有更多的情感回馈，是否会看到更为直接的爱情线。那段时间里，我们的心情也变得紧张，因为我们深知剧情的重点不仅仅是这些表面上的关系，还有更宏大的故事线和其他关键角色的牵扯。

我们希望玩家能像我们一样，关注到这些丰富的故事内容，但同时也无法忽视，玩家对关系发展的热情和投入本身是一件值得肯定的事情。这证明他们真正沉浸在角色的情感世界中，这其实是游戏的一大优势。

当然，我们理解玩家渴望在关系层面获得更多的满足感，也知道哪些内容最能激发他们的兴趣。随着游戏项目逐步推进，开发团队在平衡剧情深度与玩家期待方面遇到了一定的挑战。最终，我们不得不做出取舍，确保核心的剧情和关键元素得以保留，而其他部分则可能会有所取舍或调整。

在设计对话内容时，我们摒弃了传统的善恶值和好感度系统，旨在让玩家的表达更贴近真实生活。

问：你们的对话选择给人感觉很真实，但又不像一些互动叙事游戏那样存在明显的性格分歧，设计每组对话时的核心原则是什么？

我们倾向于采用一种自然流畅的写作方式：将自己置入那个瞬间，设想自己身处其中，思考自己可能会说些什么、会怎样表达。

这种方法帮助我们打造出更具真实感和个性化的对话体验，让玩家的每个选择都更自然、更符合情境。我们在设计中避免将角色关系简单划分为几种固定类型，例如愤怒、搞笑或讨好的表达。

实际上，玩家的反应往往不是非黑即白，而是不同语气之间的微妙差别。

这些细微差别会在玩家心中形成属于自己的理解版本，促使他们思考自己与对方之间的关系。

当玩家选择一句话时，脑海中会浮现出这句话带来的氛围和可能引发的情感反应。

正是这种关系的模糊和多样性，才是真正希望传达给玩家的体验。

许多类似作品会用好感度条或关系仪表盘来直观显示关系状态，

但我们选择避免这样做，原因在于：

一旦将关系量化成数字，玩家就会追求“最优解”，

变得只关注系统的数值变化，而忽略了真实交流中那种不确定性和即兴反应。

在现实对话中，话语的效果难以预料，

你可能以为是在鼓励对方，但对方可能反而感受到压力；

你以为自己的回应是正确的，结果却可能适得其反。

关系本身就充满变数，没有固定的公式可以完全把控，

这正是我们希望玩家在游戏中体验到的真实感和互动的自然流动。在日常沟通中，我们常常会无意中表达出几种类似的说法，或许只是语气上的微小差异，或是态度上的不同，甚至是多解释一句的选择。这种多样性实际上反映了真实交流中的复杂性，令人感到更自然、更贴近生活。

在游戏开发过程中，团队成员也会对某些表达或方案有不同的理解和坚持。这种坚持有时会带来预想之外的效果，甚至可能导致反效果。这正是团队合作中的常见挑战。每个成员都带着独特的背景和情感包袱，推动项目时需要不断探索彼此的边界。我们希望在这个过程中，避免让决策变得过于简单或机械，让每个选择都充满不确定性和探索的空间。

在现实生活中，我们常常会遇到事后才想到更合适的回应或解决方案的情况。很多人都有这样的体验：当事情结束回到家后，才意识到自己可以更巧妙或更得体地应对。当下的紧张或情绪让我们难以做出最佳反应，事后回想才觉得遗憾。

那么，游戏是否可以成为一种“后悔药”，帮助玩家在虚拟世界中提前体验和练习更理想的反应呢？

答案是肯定的。游戏的最大优势在于它能让你放慢节奏，给予你时间去思考每一个瞬间的决定。通过这种方式，玩家可以在虚拟环境中尝试不同的应对策略，体验“这次我说对了”的满足感。

我们希望玩家在游戏中获得一种自我提升的感觉：变得更聪明、更幽默、更有魅力，甚至更体面。就像许多人喜欢的角色罗伯特，他总能在关键时刻说出令人钦佩的话语，让人觉得自己也能做到。在游戏中，这不仅是一种成就感，更是一种真实的代入体验，激励玩家在现实中也变得更加自信和善于表达。在《超英派遣中心》的开场设计中，我们选择了一段缓慢的审讯对话，而非传统的动作场面。这一决定源自于故事结构的调整和叙事重点的变化。

最初，我们计划用一场激烈的战斗场景，让主角穿着战斗服从中段出现，以此吸引观众的注意力。然而，随着剧情框架逐渐理清，我们意识到有一条关键信息需要提前揭示：主角的父亲死于反派之手，这一事件是激发他行动和情感的核心动力。

为了更好地铺陈这个重要线索，我们将其提前放在故事开端，用细腻的镜头和丰富的细节，营造一种缓慢、克制的氛围，旨在引导观众深入角色的内心世界。这种慢节奏的开场，不仅增强了故事的张力，也为后续的剧情发展埋下伏笔。

至于长镜头的使用，从前两集的尝试到后来的收敛，主要是为了达到不同的叙事效果。早期的长镜头帮助我们营造沉浸感和连续性，但随着剧情的推进，我们更倾向于简洁明快的剪辑，以突出节奏感和剧情紧凑度。逐渐调整的镜头策略，是为了在保持视觉冲击力的同时，更好地引导观众的情感流动。在制作过程中，我们倾向于追求更真实的表现。一开始的设想是像拍电视剧一样，让镜头在角色表演上多停留一些时间，甚至有些镜头会坚持十几秒甚至二十秒。这种长镜头在叙事上能产生强烈的张力，但从动画制作的角度来看，频繁切换镜头更为高效。每一秒都需要保持角色的生命力，这对动画团队来说压力很大。于是，我们不得不调整风格，从第三集起变得更加克制，并不是不喜欢长镜头，而是它对产能的要求实在太高。

关于游戏中的洛杉矶氛围，这是经过有意设计的。我们几位创始成员都曾在洛杉矶生活过，有人在这里长大，因此对这座城市的风貌非常熟悉。为了增强真实感，我们没有只聚焦于好莱坞，而是选择了像托兰斯（Torrance）这样更具日常气息的区域，拍摄实地素材：公寓楼、街角的小型购物中心（mini mall）等，把生活中的细节融入到美术设计中，从而营造出浓厚的地区特色。

总结

本文分析了《dispatch》（超英派遣中心）作为2025年叙事游戏黑马的成功原因，讨论了其独特的叙事及持续高热度。欢迎大家来我们网易云游戏的平台上进行相关交流讨论。

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